Interview d’un artiste – Peter Bucks

Nous avons rencontré Peter Bucks pour notre deuxième interview d’artiste (enfin, nous aurions aimé le rencontrer… nous avons correspondu avec lui par voie électronique) et nous sommes impatients de partager son histoire et sa vision artistique avec vous !

Chaque artiste a un parcours, un style, des expériences, des techniques et une perspective qui lui sont propres. Nous pouvons tous apprendre les uns des autres, être inspirés les uns par les autres, et continuer à partager la joie de l’art.

Voici ce que Peter avait à dire :

Qui êtes-vous et que faites-vous ?
Je m’appelle Peter Bucks, à ne pas confondre avec le REM Peter Buck de la pop culture musicale, qui me fera toujours de l’ombre quand on me cherchera sur Google. Mon père est un immigrant allemand qui a été formé par le peintre impressionniste allemand Heinrich Deege, prononcé (Dey-ga), originaire de la région centre-ouest de l’Allemagne, Neustadt am weinStrasse. J’ai commencé à dessiner très jeune et depuis, j’ai toujours été fasciné par la possibilité de créer l’illusion de trois dimensions sur un plan bidimensionnel. Mon père a commencé à m’enseigner les principes fondamentaux de la perspective à un jeune âge, mais il ne m’a pas poussé ou ne m’a pas fait suivre des cours d’art en permanence. La plupart de ce que j’ai appris, je l’ai appris en observant la vie autour de moi et en le transférant sur une surface sans aucune formation. Après le lycée, j’ai fréquenté l’école d’art et j’ai été formé au dessin de personnages par le maître peintre de l’Atelier Bruno Surdo. Je ne le savais pas à l’époque, mais j’ai eu la chance d’être formé à la manière de l’atelier de dessin et de peinture, en travaillant avec des moulages en plâtre et des modèles vivants, au fusain et plus tard à la peinture à l’huile. En même temps, j’ai été formé à l’art de l’illustration, et les deux instructeurs qui m’ont le plus influencé sont Kurt Mitchell et Tom Gianni. J’ai suivi cette formation pendant quatre ans, puis je me suis aventuré à travailler en tant qu’artiste professionnel. À l’heure actuelle, je travaille en free-lance, en prenant des commandes ou en illustrant pour diverses entreprises.

Pourquoi faites-vous ce que vous faites ?
Je fais ce que je fais parce que je sens que c’est comme une vocation de toute une vie de créer. Je ne peux pas expliquer le sentiment et le besoin que j’ai de créer des images de ce que je vois et comment je le vois. Lorsque je ne suis pas en train de dessiner ou de peindre, je regarde constamment la vie comme si elle était une peinture. En d’autres termes, lorsque je vis la vie, je la dessine ou la peins dans mon esprit. Je vois la composition et la beauté de la lumière dans tout ce qui m’entoure.

Grange d'aquarelle

Comment votre pratique a-t-elle évolué au fil du temps ?
Au fil des ans, ma pratique n’a pas trop changé, car je suis des règles simples de dessin et de peinture. En appliquant ces règles, je deviens plus compétent et meilleur dans mon métier. La clé de ces compétences est d’avoir de bons modèles, des références et des paysages à partir desquels travailler.

Quelle est votre œuvre d’art préférée ? Pourquoi ?
L’œuvre d’art que je préfère est une aquarelle sur papier que j’ai peinte en 1989. Je préfère cette œuvre parce que je l’ai peinte avant d’avoir reçu une formation quelconque en art. Je pense qu’il s’agissait vraiment d’une approche de la nature morte par le talent brut. J’ai simplement installé quelques vieux engrenages et outils de transmission avec un bandana sur un mur du fond où il y avait des tuyaux de chauffage ou de plomberie exposés. J’ai ensuite éclairé le tout avec une ampoule, et j’ai simplement peint mon interprétation de ce que je voyais.

La peinture préférée de Peter

Quel est le meilleur conseil qu’on vous ait donné en matière d’art ?
Le meilleur conseil artistique qu’on m’ait donné, –hmmm. Eh bien, on m’a donné beaucoup de conseils au fil des ans. Il est parfois difficile de faire la différence entre un conseil et des règles pratiques de dessin, mais en art, les règles sont faites pour être transgressées. Je dois dire que le conseil que l’on m’a donné et que je considère comme le meilleur est très simple : “Le dessin et la peinture sont une seule et même chose, quel que soit le support utilisé. Gardez à l’esprit de dessiner et de peindre à partir de ce que vous voyez dans la nature ou dans votre environnement naturel.” Donc, qu’il s’agisse d’un modèle vivant, d’une nature morte, d’un paysage ou même d’un abstrait, utilisez la nature pour vous guider. Le support n’a pas d’importance, il dicte simplement la façon dont il sera représenté.

Modèle - Aquarelle

Quelle est l’astuce/technique artistique que vous pouvez partager avec nous et que vous trouvez vraiment utile ?
Je pense que le meilleur conseil ou la meilleure technique que je pourrais donner est le suivant : au début, gardez la composition à l’esprit lorsque vous dessinez ou peignez.

Une composition forte sera toujours le point d’ancrage d’une grande œuvre d’art. Dans la composition de l’image, il y a d’autres choses qui renforcent la composition comme la couleur, le travail au trait, les ombres, les lumières, les tons moyens et les demi-tons. Il est important de s’assurer que vous séparez vos tons foncés, vos tons clairs et vos tons moyens aussi simplement que possible, ainsi que d’établir ces tons aussi précisément que possible.

J’utilise une méthode de taille à vue et je garde toujours l’espace négatif à l’esprit. Après avoir établi tous ces éléments, je repère les demi-tons de mon modèle ou de mon sujet. C’est dans les demi-tons que se trouvent toutes les nuances de vie et de réalisme du sujet. Étudiez le plus possible ces zones dans les conditions de lumière naturelle de votre projet. Les demi-teintes lui donnent vie.

Dans les huiles, je travaille de l’ombre à la lumière et dans les aquarelles, je travaille de l’ombre à la lumière. Je prends constamment du recul par rapport à la peinture pour l’évaluer, et je plisse les yeux pour la simplifier. Pour avoir un regard neuf ou évaluer une peinture sur laquelle je travaille, je me mets face à l’œuvre dans un miroir pour la voir à l’envers ou parfois je la photographie en cours de réalisation. Ces méthodes m’aident à critiquer les zones sur lesquelles je dois travailler.

Vieilles voitures à l'aquarelle

Avez-vous des astuces ou des techniques secrètes que vous utilisez pour sauver une pièce lorsque vous faites une erreur ?
J’aime bien cette question, — Est-ce que j’ai des trucs secrets ou des techniques que j’utilise pour sauver une oeuvre d’art quand je fais une erreur ? J’aime beaucoup cette question, parce que j’ai une astuce secrète. La voici :

En tant qu’artistes, nous faisons tous des erreurs ou nous avons tous raté quelque chose. Si l’erreur est petite, la solution la plus simple est de retravailler la zone, en fonction du médium utilisé bien sûr. Dans l’huile, tout est réparable, et il en va de même pour les acryliques et les pastels. Les gommes ont été créées pour le graphite, donc c’est une évidence. En revanche, l’aquarelle et l’encre sont les deux médiums qui ne pardonnent pas. Si une petite chose est gâchée dans ce médium, deux choses peuvent se produire. Soit vous l’effacez et le refaites, soit vous transformez l’erreur en ombre si possible. Cependant, la plupart du temps, cela ne fonctionne pas.

Maintenant, mon astuce secrète. J’ai foiré une peinture il y a deux semaines, une aquarelle. À mi-chemin de la peinture, je n’étais pas du tout satisfait, et c’est ce que je fais : Je ne le recommande pas à moins que vous ne soyez compétent et confiant. Je le déchire ! Je le jette et je recommence tout. Je fais cela depuis que je suis jeune, et cela a définitivement fait de moi un bien meilleur peintre. Pourquoi pas ? Pourquoi pas ? Peignez-le deux fois. Ou trois fois jusqu’à ce que tu y arrives. Albert Einstein n’est pas devenu un grand mathématicien sans faire d’erreurs. En fait, ce sont les erreurs qui vous permettent d’apprendre pour devenir meilleur dans la vie. Il en va de même pour les œuvres d’art. Pardonnez-vous – comme si de l’eau avait coulé sous les ponts. Ravalez votre fierté et recommencez. Il y a de fortes chances que le deuxième round soit une meilleure peinture.

Aquarelle WIP

De quel matériel artistique ne pourriez-vous pas vous passer ?
C’est difficile de dire de quels matériaux je ne pourrais pas me passer. Je dirais tout, mais c’est le papier de qualité qui me manquerait le plus. J’utiliserais de la boue et du sang si rien d’autre n’était disponible, et mes doigts comme pinceaux. Mais sur quoi les mettre serait discutable. Les tablettes de pierre semblent être dépassées depuis longtemps, alors oui, le papier. Il n’y a rien au monde comme une feuille de papier fraîche pour ce que je fais. J’en aime même l’odeur.

Quel est votre papier Strathmore préféré ?
Série 500 Gemini Cold Press, 300lb. (638 g/m²)

Vous trouverez d’autres travaux de Peter sur son site Web :
www.peterbucks.com

Portrait de Peter Bucks

Peter Bucks Grenouille